La región del Río de la Plata estuvo siempre abierta a los cambios culturales, lo cual explica que los bailes tradicionales evolucionaran rápidamente y adoptaran nuevas formas con los diversos aportes inmigratorios. Por eso, bailes que fueron formas vivas de expresión entre la gente del campo se olvidaron totalmente para constituir en la actualidad simples referentes antropológicos, al perderse una forma de vida y de cultura campesina.

Dos ejemplos de este fenómeno son el cielito y el pericón. Durante las luchas por la Independencia, el cielito adquirió forma de canción y paulatinamente comenzó a bailarse. Se volvió, como tal, muy popular, y sus letras tenían animo propagandístico y patriótico.

El pericón tiene una larga historia que lo bueno de los bailes en estancias y pulperías a los salones ciudadanos. Algunos musicólogos como Fernando Assuncao consideran fuera de lugar la denominación de baile nacional para el pericón, que solo se mantiene vivo en las fiestas escolares.

En el sustrato hispánico y el componente negro se insertaron en el siglo XIX el vals y otras danzas procedentes de Europa, como la mazurca, la polca, el chotis y la hispano cubana habanera.

Sobre estos aluviones se conformaría mas tarde el tango, hermano de la milonga, cuya vigencia como baile y forma musical se mantiene. De las danzas la única viva es el candombe, que evoluciono de una expresión netamente folclórica a un genero musical que suele fusionarse con formas modernas como el rock.

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Surgida en los salones de las cortes europeas durante el siglo XVIII, la música de cámara debe su nombre al lugar donde se interpretaba, que no era ni la iglesia ni el teatro sino un espacio de escasas dimensiones.

Las composiciones se escribían para instrumentos solistas y, al estar previstas para un número reducido de intérpretes y oyentes, requerían de una mayor elaboración y de una gran destreza en la ejecución. La música de cámara puede estar escrita para un instrumento solista, que generalmente es acompañado por el piano, o para un conjunto de solistas instrumentales o vocales.

Los primeros conjuntos de cámara nacionales surgieron en Montevideo a finales del siglo XIX. Entre ellos destacaron el conjunto del Club Alemán Frasis y el Cuarteto para la Ejecución de la Música Clásica, dirigido por Luis Pretil, cuya presentación tuvo lugar en el Conservatorio La Lira. En 1890, el Instituto Verdi también formo su cuarteto de cuerdas y piano con Luis y Juan José Sambucetti, Miguel Ferro ni y Enrique Boroschi.

La Escuela de Música Fallera, fundada en 1898 por Oseas Fallen, conto con un cuarteto integrado por flauta, clarinete, oboe y fagot. Esta incipiente afición dio sus frutos a principios del siglo XX, al constituirse la Asociación Uruguaya de Música de Cámara, de la que formaban parte grandes personalidades del mundo de la música, como Eduardo Faina, Vicente Pablo y Virgilio Carabello. Este conjunto permaneció activo durante veinte anos, hasta que sus integrantes pasaron a formar parte de la Orquesta Sinfónica del SODRE, en 1930, y del Cuarteto del SODRE, en 1931.

El movimiento coral también se initio en los conservatorios, y por lo general cada una de estas instituciones dispuso de su propio coro, aunque los coros independientes no nacieron hasta 1916, con la Asociación Coral Palestrina. En 1934 el SODRE constituyo su primer coro, dirigido por el italiano Idilio Niní Bellucci, y posteriormente esta misma institución presento el Coro de Cámara del SODRE, dirigido por Nilda Miller, y el Coro de Niños, dirigido por Eduardo Carambola.

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Este genero musical surgió en el siglo XVIII, periodo en el que los instrumentos adquirieron importancia por si mismos debido a la separación entre el arte vocal y el arte instrumental. En el Uruguay comenzó a practicarse a traves de las sociedades filarmónicas surgidas en los salones del siglo XIX. Hacia finales de esa centuria aparecieron los primeros conservatorios, cada uno dotado de su propia orquesta.

El primer conservatorio fue la Sociedad Musical de Aficionados La Lira, creado en 1873. En 1890 nació el Instituto Verdi, fundado por el director de orquesta Luis Sambucetti, y en 1895 Carlos Giucci fundo el Liceo Musical Franz Liszt. La orquesta de la Sociedad Beethoven, creada en 1897, tuvo mucha importancia debido a los numerosos conciertos sinfónicos que ofreció en Montevideo. En 1908 se creo la Orquesta Nacional, dirigida por Luis Sambucetti, formación que interpreto música sinfónica contemporánea y dio a conocer gran parte de las obras de los compositores nacionales del momento.

El SODRE presento en 1931, en su Estudio Auditorio, la Orquesta Sinfónica del SODRE (OSSODRE). Estaba integrada por 103 músicos y tuvo como director a Vicente Pablo, reconocido pianista, que durante el primer ano alterno la dirección de la orquesta con los maestros Virgilio Scarabelli y Lamberto Baldi.

En la actualidad, el Uruguay cuenta, además, con la Orquesta Filarmónica de Montevideo (Sinfónica Municipal), creada en 1959, que tuvo como primer director a Carlos Estrada y como primer subdirector a Luis D'Andrea. Uno de los objetivos principales de esta orquesta es dar a conocer obras de compositores nacionales.

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El nacionalismo fue una corriente artística que derivo del Romanticismo y utilizo elementos folclóricos en la composición de música culta. Los autores nacionalistas tomaron como fuente de inspiración las costumbres de su pueblo y el paisaje de su tierra. En las décadas de 1920 y 1930 fueron muchos los compositores nacionalistas que adquirieron importancia en America. En el Uruguay, los tres autores mas destacados de esta tendencia fueron Eduardo Fabiani, Alfonso Brocqua y Luis Cluzeau-Mortet.

Eduardo Fabini (1882-1950), que realizo estudios en el Conservatorio La Lira de Montevideo, viajo en 1900 a Bélgica para estudiar violín y composición, y alii escribió dos Tristes para piano utilizando temas de su tierra, siendo el primer americano que obtuvo el Primer Premio y Medalla de Oro al egresar del Real Conservatorio de Bruselas.

Campo (1922) fue su primer poema sinfónico, interpretado por Ricardo Strauss con la Orquesta Filarmónica de Viena en el Teatro Colon de Buenos Aires, y en 1926 estreno otro poema sinfónico, La Isla de los ceibos. Estas dos piezas fueron grabadas por la compañía discográfica RCA Victor con la Orquesta Filarmónica de Nueva York, bajo la dirección del maestro ruso Vladimir Shavitch.

En un segundo período, Fabini se alejo de los asuntos folclóricos y se sintió atraído por temas ciudadanos. Compuso Melga Sinfónica, movimiento que la OSSODRE estreno en 1931, el ballet Murucuyá, sobre un texto de Fernan Silva Valdes, y el ballet infantil Mailana de Reyes, con temas del cancionero infantil anonimo.

Alfonso Brocqua (1876-1946) vivió temporadas en Montevideo y otras en Paris, donde compuso muchas de sus obras. En la capital uruguaya realizo trabajos críticos sobre cuestiones musicales y sobre el propio nacionalismo como corriente musical. El poema lírico Tabare (1910) es una de sus piezas principales, con la que marco el initio del nacionalismo musical en el Uruguay. En 1911 dio a conocer tres obras para piano de carácter nacionalista: Ante una tapera, Alba entre los ceibos y Payadores, agrupadas bajo el titulo Poema de las lomas.

Luis Cluzeau-Mortet (1889-1957) pertenecía a una familia de tradición musical. Compuso obras basadas en textos de poetas uruguayos. Sus primeras creaciones fueron piezas para piano: Carreta quemada (1916) y Pericón (1918). Siempre dentro de la corriente musical nacionalista, escribió obras para canto y piano y para piano solo y las piezas sinfónicas La siesta, Llamas, Soledad campestre y Rancherío.

Llamas, Soledad campestre y Rancherío. Otros compositores inscritos en esta línea fueron Ramón Rodriguez Socas (1886-1957), con obras como la opera Urunday y la Sinfonía a Artigas; Vicente Ascone (1897-1979), nacido en Italia pero de formación uruguaya, que compuso la opera Paraná Guazú, el Nocturno sobre el rio Uruguay y la Rapsodia Criolla para piano y orquesta, y Carlos Giucci (1904-1958), creador del ballet indígena Yuka Tatu y de numerosas obras para orquesta, voz y piano.

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El nacimiento de la figura más emblemática del tango continúa siendo un misterio y uno de los temas mas controvertidos de la historia de los músicos rioplatense por excelencia. Existe una versión tradicional que sostiene que su autentico nombre era Charles Romuald Grades, hijo natural de Berthe Grades, y que habría nacido en la ciudad francesa de Toulouse el 11 de diciembre de 1890.

No obstante, las recientes investigaciones de Eduardo Payasee González y Nelson Bayardo han revelado que el legendario cantor vio la luz en la zona rural del departamento de Tacuarembo, en fecha no precisada entre los afijos 1883 y 1885. El debate continúa abierto.

El Carlos Gardel de carne y hueso initio su carrera artística hacia 1910, en plenos festejos del centenario de la Revolución de Mayo, en diversos locales de diversión de Buenos Aires. En 1913 grabo su primer disco como solista, que incluía canciones criollas. Al poco tiempo formo un dúo artístico con José Razzano, llamado «E1 Oriental*, con quien realizo numerosas grabaciones, en una colaboración que se extendió hasta 1925.

A partir de entonces, Gardel continúo su carrera en solitario. Viajo en numerosas oportunidades a Europa, actuando en Paris con gran éxito. En Francia protagonizo cuatro películas. En el tramo final de su vida mantuvo una febril actividad en los estudios de grabación y sets cinematográficos de Nueva York, donde encontró su proyección internacional. Allí participo en varios largometrajes, entre los que destacan Tango Bar, Edila que me quieras y El tango en Broadway.

Como compositor dejo canciones inolvidables: Golondrinas, Mano a mano, Soledad, Arrabal amargo, Foro una cabeza... Durante una gira por Colombia, murió en un accidente aéreo en Medellín el 24 de junio de 1935. Su última actuación en el Uruguay había sido dos años antes en el Teatro Macío de la ciudad de San José de Mayo.

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En las dos primeras décadas del siglo XX surgió una generación de músicos de origen italiano que formaron orquestas y fueron grandes compositores de tangos. Con ellos, el tango salio del mundo marginal del suburbio y se difundió a trabes de la radio y de los discos. Los músicos se profesionalizaron y viajaron constantemente entre Buenos Aires y Montevideo. Entre los compositores de esta primera generación hay que mencionar a Vicente Greco, Francisco Canazo, Roberto Firpo, Juan Manlio, Alfredo Bevillacqua, Arturo Debáis, Agustín Brady y Ernesto Poncio.

Alrededor de 1910 se consolido la formación de la orquesta de tangos, compuesta de piano, violín y bandoneón. La exploración de las cualidades del bandoneón (de origen alemán) fue muy importante en el desarrollo del tango y marco una de sus características como estilo.

A partir de esta estructura orquestal, hacia la década de 1920 aparecieron los primeros sextetos, en los que se integraba otra voz de violín, otra de bandoneón y un contrabajo. Entre los celebres sextetos porteños se encontraban el de Os-Valdo Fresado, Juan Carlos Cobain y Julio De Caro. En Montevideo, el pianista Ángel Sica, axial como el bandoneonísta Francisco Materia y el pianista duraznense Cesar Zagnoli, fueron destacados interpretes.

En 1916, la orquesta típica de Roberto Firpo estreno La comparsita durante una de las temporadas que realizaba en el café La Giralda de la plaza Independencia (Montevideo). Este tango, del compositor uruguayo Gerardo Mates Rodriguez, tuvo de inmediato un extraordinario éxito en el Rio de la Plata, y desde entonces es la pieza de tango mas difundida en todo el mundo.

Contemporáneamente a las grandes orquestas apareció el tango canción, con el argentino Pascual Contarse y su tema Mi nodo triste. En este contexto se inicio la carrera de Carlos Gardel, cuyo éxito hizo que todas las orquestas pasaran a contar con un vocalista. Surgieron así los letristas, entre los que destacaron Homero Manzi, Homero Exposito, Celedonio Flores, Enrique Cadicamo y Enrique Santos Discepolo, quienes mostraron en sus canciones la realidad popular de Montevideo y Buenos Aires. En sus textos utilizaron diferentes tipos de lenguaje: el campero, el popular, el lunfardo y el culto, que es el menos frecuente.

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Nacio en Solís de Mataojo, departamento de Lavalleja, el 18 de mayo de 1882. Comenzó sus estudios musicales en su departamento natal. Se traslado a Montevideo en 1890 donde estudio en el Conservatorio La Lira. Entre 1900 y 1903 residió en Bélgica por una beca que le permitió estudiar en el Real Conservatorio de Bruselas, de donde egreso con menciones especiales.

Regreso a Montevideo solo unos meses y volvió a Bélgica entre 1904 y 1907, esta vez a estudiar composición. Allí empezó a componer, sin dar a conocer aun sus obras. En 1900 fundo, junto a otros músicos uruguayos, la Asociación Uruguaya de Música de Cámara, en la que dio conciertos hasta 1913. En ese ano, Fabini regreso a su tierra natal donde se radico durante un tiempo.

Mientras tanto, la composición iba ocupando un mayor espacio en su vida. El momento mas importante fue el estreno en 1922 del poema sinfónico Campo. Al ano siguiente el director de la orquesta sinfónica de Viena, Richard Strauss dirigió esta obra en un concierto en el Teatro Colon de Buenos Aires.

A partir de este éxito y del alcance International DC su obra, compuso cada vez con mayor intensidad y a partir de 1927 comenzó a grabar sus composiciones. Entre ellas sobresalen La Isla de los ceibos, Triste No. 1,2 y 3, Melga Sinfónica, Las flores del campo, A mi río, El arroyo. Murió en Montevideo el 17 de mayo de 1950.

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